Gusto ng mga museo ng 2 show u memez ngayon. Mag ingat sila.

A. Eva at Franco Mattes, Ceiling Cat, 2016. (Eva and Franco Mattes/Postmasters Gallery at Team Gallery)

SAN FRANCISCO — Sa pagtatapos ng exhibition na Snap+Share, makikita ng mga bisita sa San Francisco Museum of Modern Art ang isang maliit na pusa na nakatitig sa kanila mula sa isang butas na may crudely cut rectangular na butas sa kisame. Ito ang Ceiling Cat, isang 2016 na gawa nina Eva at Franco Mattes, na gumamit ng taxidermy kitty upang muling likhain ang isa sa pinakasikat at paulit-ulit na meme sa Internet: isang imahe ng pusa na sinamahan ng mga variation sa pariralang pinapanood ka ng Ceiling Cat . . .

Ang orihinal na Ceiling Cat meme ay lumitaw higit sa isang dekada na ang nakalipas, na may tag line na Ceiling Cat ay pinapanood kang mag-masturbate. Ngunit ito ay nagbago at umunlad sa karaniwang bilis ng online na kultura. Kabilang sa maraming mga pag-ulit ay ang Ceiling Cat bilang Diyos na Tagapaglikha, na nagsasalita sa lolcat meme na pagsasalin ng Bibliya: Sa simula, walang lyte. Sabi ng isang Ceiling Cat, kaya ko bang mag-haz lite? Isang lite wuz.

Tulad ng ilang iba pang mga gawa sa palabas, ang Mattes sculpture ay gumagawa ng pisikal na bagay na pangunahing umiiral sa walang timbang, walang substance na kapaligiran ng Internet. Nakukuha nito ang pagiging mapaglaro ng kultura na umunlad sa paligid ng pagkuha at pagbabahagi ng mga larawan, lalo na ang mga meme, kahit na iminumungkahi nito ang mas madilim na bahagi ng pagsubaybay at kontrol na nakatago sa aming mga social network. Ito rin ang pangunahing imahe ng marketing para sa eksibisyon, at marahil ay isa sa ilang mga maling hakbang sa pag-curate nitong kung hindi man ay nakakapukaw ng pag-iisip at nakakapagpapaliwanag na eksibisyon.

kapag darating ang stimulus check

Kung sakaling makaligtaan mo ang Ceiling Cat (na maliit at lampas sa antas ng mata), ang museo ay may kaunting tala sa dingding: Tingnan ang likhang sining sa gitna ng kisame sa gallery na ito. Ang mga larawan ay hindi lamang pinahihintulutan ngunit hinihikayat. Dahil diyan, ang kaunting kritikal na distansya ay nasira, at ang bagay na kung hindi man ay sinusuri nang walang pag-iingat — kung paano umunlad ang aming mga gawi sa pagpapadala ng mga larawan sa nakalipas na siglo at kalahati — biglang parang isang laro na kailangan naming laruin. Ang imbitasyon na lumahok, na kumuha ng larawan ng Ceiling Cat, ay hindi tama, lalo na dahil sa pangunahing tensyon na nabubuo sa palabas na ito — sa pagitan ng pakikilahok at pagsunod.

Ngunit siyempre walang museo sa planeta ngayon ang magsasagawa ng isang palabas tungkol sa mga meme at snapshot at social media nang hindi inaasahan ng lahat na mag-Instagram nito, magha-hashtag nito sa Twitter at magbaha sa Facebook ng mga selfie. Ang paglaban ay walang saysay.

Sinabi ni Andy Warhol na gusto niyang maging isang makina. Siya ay hindi.

Binuo ni Clément Chéroux, ang senior curator ng photography ng museo, ang eksibisyon ay nag-uugnay sa ating kasalukuyang sandali sa mas mahaba, mas kumplikadong kasaysayan ng pagpapakalat ng mga larawan. Nagsisimula ito noong ika-19 na siglo, sa paglitaw ng postcard, na noong unang bahagi ng ika-20 siglo sa France ay napakalaki ng postal system ng bansang iyon na may mga 173,000 card na ipinapadala araw-araw. Pagsapit ng 1930s, ang mga litrato ay regular ding naglalakbay sa pamamagitan ng mga wire, at ang mga serbisyo ng wire ay nagdala ng balita ng mundo, kabilang ang mga digmaan, sakuna at iba pang mga paghihirap, sa aming mga sala, na gumuho ang distansya at oras na ang mundo ay tila halos agad-agad na magagamit at masakit na matalik. .

ano ang gagawin kung inatake ka ng aso

Sa kalagitnaan ng ika-20 siglo, ginawang pamilyar ng mga color postcard at sikat na photography ang mga icon ng turismo sa mundo gaya ng mga fast-food joints, na nagpapalipat-lipat sa milyun-milyong maliliwanag na kulay na larawan. At kasama sa eksibisyon ang Motorola flip phone, Toshiba laptop at Casio digital camera na ginamit ng French inventor na si Philippe Kahn para ipadala ang malamang na unang imahe ng camera ng cellphone sa isang malaking network ng mga tao. Ang butil 1997 digital na larawan ng kanyang anak na babae, na isinilang lamang ng ilang minuto ang nakalipas, ay natanggap ng mga manonood na humigit-kumulang 2,000 katao.

Ano ang aktwal na nagbago sa rebolusyong ito sa paggawa ng imahe, na ginawang agad na magagamit ang mga larawan sa libu-libo, o ngayon ay bilyun-bilyon, ng mga tao? Sa maraming paraan, wala. Ang mga tao ay nagpapadala ng mga larawan sa pamamagitan ng koreo mula noong halos naimbento ang photography, at kami ay namamahagi ng mga larawan ng ating sarili bago pa ang pag-imbento ng salitang selfie. Si Peter J. Cohen, isang kolektor na nakatuon sa mga snapshot at katutubong larawan, ay nag-assemble ng malawak at iba't ibang hanay ng mga larawan kung saan isinulat ng mga tao ang salitang ako sa tabi ng isang larawan, marahil sa kanilang sarili. Ang mga dekada na ito ng black-and-white photography at nagmumungkahi ng patuloy at hindi nakakagulat na pagkakapare-pareho sa aming kaugnayan sa mga litrato: Ginagamit namin ang mga ito upang igiit ang aming pag-iral, upang markahan ang aming lugar sa mundo. Hindi iyon nagbago kahit na ang paraan ng paggawa at pamamahagi ng mga imahe ay umunlad.

Ang mga artista, masyadong, ay hindi nakatuklas ng mga ideya tungkol sa mga social network at nagpapalipat-lipat na mga larawan sa pag-imbento ng Facebook at iba pang mga online na social space. Ang kilusan ng mail art, kung saan ginagamit ng mga artist ang mail upang lumikha ng mga pattern ng sirkulasyon na hiwalay sa mga tradisyunal na museo o gallery, at mag-imbita ng collaborative na paggawa ng larawan, ay matagal nang nauna sa ating 21st-century snap-and-share na mundo. Ang ilan sa mga pinaka-visual evocative na gawa sa palabas ay sa pamamagitan ng German artist na si Thomas Bachler, na lumikha ng maliliit na pinhole camera sa mga karton na kahon at ipinadala ang mga ito sa pamamagitan ng German mail system, kung saan sila ay pasibo na nag-record ng parang multo at hindi sinasadyang mga litrato. Napakaganda ng mga ito at medyo parang mga medikal na larawan, malabo at kulay abo na may kakaibang mga tubo at linya at mga thread ng tila organikong materyal na dumadaloy sa kanila.

Ngunit sa ibang mga paraan, ang pagbabago ay napakalaki, at napakalawak na halos imposibleng masuri ito. Ang kilalang installation work ni Erik Kessels na 24HRS in Photos ay ginawa mula sa mga higanteng tambak ng mga naka-print na larawan na kinuha mula sa 24 na oras ng pag-upload sa social media. Ito ay na-restage para sa eksibisyong ito, na lumilikha ng isang silid ng mga larawang nakatambak sa sahig at umaakyat sa mga dingding. Ito ay tila nagbabala sa una, isang babala ng malaking delubyo ng mga imahe na ginawang posible ng mga camera ng cellphone at digital photography. Ngunit ito rin ay nakakagulat na kaakit-akit, na ang mga larawan ay tumatangging basura, at nakakaakit ng mga mata sa mga magagandang tao, maaraw na mga dalampasigan, mga bata na naglalaro at lahat ng natitirang bahagi ng quotidian na buhay na hindi namin tumitigil sa pagdokumento at paglalantad.

Tintoretto, napakatalino, innovative at kakaibang kakaiba

Hindi lang ang dami ng mga larawan ang nagbago. Ang mga tao, lalo na ang mga kabataan, ngayon ay nagsasalita o nakikipag-usap sa mga imahe, nagpapadala ng mga larawan sa halip na mga salita, upang ipahayag ang kanilang mga saloobin at damdamin. At dumarami ang kamalayan sa kung paano nagiging pathological ang ating pag-asa sa mga smartphone, isang adiksyon na nakakalat ng atensyon at naglalayo sa ating relasyon sa mga totoong bagay at totoong tao. Ang artist na si Kate Hollenbach ay nagpapahiwatig ng mga sikolohikal na pagbabago na kinapapalooban nito sa isang video work na tinatawag na phonelovesyoutoo, kung saan ni-rigged niya ang kanyang telepono upang i-record ang kanyang video sa tuwing nakikipag-ugnayan siya dito, upang suriin ang mail o mag-surf sa Web o gamitin ang GPS function nito. Ang resulta ay isang matrix ng maliliit na video ng parehong mukha, sa maliwanag at madilim na mga espasyo, umaga, tanghali at gabi, sa kama, sa kalye, paglalakad sa mga gusali, isang self-imposed na paraan ng reverse surveillance. Ang emosyonal na valence ng laki ng kwartong grid na ito ng mga larawan ay isa sa nerbiyos, pagkabalisa, hindi mapakali, hindi nakadirekta na enerhiya at dissonance.

Pagkatapos ay mayroong Ceiling Cat, na darating pagkatapos ng evocative video ni Hollenbach. Ito ay isang magandang simula ng pag-uusap para sa mundo ng museo, isang paraan upang isipin ang tungkol sa mga panganib at pagkakataon sa mga eksibisyon tulad ng isang ito. Ang mga museo ng sining ay eksaktong uri ng mga institusyon na maaaring makitungo sa isang malawak, kumplikadong paksa tulad ng Snap+Share, na kinasasangkutan hindi lamang ng mga pagbabago sa visual na kultura, kundi pati na rin sa panlipunan, teknolohikal at sikolohikal na pagbabago.

Ngunit palaging may panganib na maging masyadong gusot sa paksa. Hinahangad ng mga institusyong pangkultura ang uri ng enerhiya na tila dumadaloy sa mga sirkito ng Internet. Hinahangad nila ang madla na lumaki sa mga sistemang ito ng paggawa at pamamahagi ng imahe, at hinahangad nila ang pera ng mga tao na ang mga kapalaran ay ginawa sa digital gold rush. Mayroon ding tendensya, hindi karaniwan sa mga propesyonal sa museo, na tingnan ang mundong ginalugad sa mga palabas tulad ng Snap+Share bilang hinaharap, at dahil gusto ng lahat na mapabilang sa hinaharap, mayroong isang uri ng tacit endorsement ng teknolohiya, na nagdadala kasama nito ang isang implicit na pag-endorso ng industriya sa likod nito.

Ito ay isang maliit na bagay, ngunit ang eksibisyon na ito ay magiging mas malakas kung hindi ito nag-imbita ng mga madla na lumahok. Ang Ceiling Cat, bilang isang likhang sining, ay isang imbitasyon na mag-isip. Ngunit sa pamamagitan ng pag-imbita sa mga bisita na gawing dematerialize ang Ceiling Cat sculpture pabalik sa isang Internet meme, tila sinasabi ng curator: This was all in good fun. Ang kritikal na detatsment ng palabas ay napalitan ng coos at giggles at feel-good vibes. Ang eksibisyon ay matalinong binabalanse ang makasaysayang obserbasyon ng isang lumang kababalaghan - ang aming pangangailangan na ipaalam sa iba ang aming presensya sa mundo - na may malinaw na mga obserbasyon tungkol sa kung paano binabago ng teknolohiya ang aming panloob na buhay at ang aming mga relasyon sa lipunan. Ngunit sa Ceiling Cat, at iba pang mga imbitasyon na kumuha ng mga larawan at ipadala ang mga ito sa mundo, ang palabas ay sumuko sa dulo sa mahiwagang pag-iisip kung saan pinipigilan natin ang ating mga pagkabalisa tungkol sa kultura ng social media: Hindi nakakapinsala kung ituturing lang natin itong isang maliit na balintuna.

Ang isang tunay na radikal na palabas ay hindi magpapahuli sa amin nang ganoon kadali. Hinihiling sana nito na iwanan ng mga tao ang udyok na mag-snap at magbahagi ng sapat na katagalan upang tuklasin kung ano ang ginagawa sa atin ng snap and share.

Snap+Share Hanggang Agosto 4 sa San Francisco Museum of Modern Art. sfmoma.org .

Ang inosente ni Robert Mapplethorpe

Ang 'Ivanka Vacuuming' ay nasa ilalim ng balat ng unang anak na babae

magkano ang halaga ng mga tiket ng konsiyerto ni justin bieber

Nang makita ng mga artista ang kahulugan sa mga alamat at halimaw