Mildred Thompson, 'Magnetic Fields,' 1991; Langis sa canvas. (Ang Mildred Thompson Estate)Ni Philip Kennicott Philip Kennicott Kritiko sa sining at arkitektura Email ay Sundin Nobyembre 1, 2017
Isang bagong eksibisyon sa National Museum of Women in the Arts ang humaharap sa dalawang maling pagpapalagay na naka-embed sa mundo ng sining. Una, na ang mga kababaihan ay dapat gumawa ng pambabae na sining, at ikalawa, na ang mga African American artist ay dapat gumawa ng figurative at aktibistang sining, mga gawa na humaharap sa mga isyu ng lahi, hindi pagkakapantay-pantay, kawalan ng katarungan at ang mahabang kasaysayan ng karahasan laban sa mga itim na tao.
Magnetic Fields: Expanding American Abstraction, 1960s to Today ay tumutuon sa mga itim na babaeng artista na nagtatrabaho nang lampas o sa labas ng mga dikta na iyon. Kasama sa trabaho ang maapoy na abstraction na ginawa gamit ang mga namuong karagatan ng pintura at mga pinong print na may mga kulay ng pink at pinong tracery. Ang ilang mga kuwadro na gawa ay sumabog sa mga dingding at nangingibabaw sa espasyo; ang iba ay tumahimik at inilalapit ang manonood sa kanilang misteryosong pag-iimik. Ngunit lahat ay sumasalungat sa aesthetic na mga inaasahan ay nag-ugat sa mga arbitrary na kategorya ng lahi at kasarian.
Barbara Chase-Riboud, 'Zanzibar/Black,' 1974-75; Itim na tanso at lana. (Rodrigo Lobos/Barbara Chase-Riboud/Michael Rosenfeld Gallery LLC)
Tulad ng pagpapaliwanag ng panimulang sanaysay sa catalog ng palabas, ang mga artist na ito ay gumagawa sa isang paligid ng isang paligid ng isang paligid. Nasaan ang maraming periphery na ito? Sa walang partikular na pagkakasunud-sunod ng pangunguna, isaalang-alang ang unang kasarian at abstraction. Sa kalagitnaan ng huling siglo, ang larangan ay pinangungunahan ng mga lalaki na muling ginamit ang mga ideya noong ika-19 na siglo tungkol sa kabayanihan ng pintor at ang mga demonyong kapangyarihan ng emosyonal na pagpapahayag. Ang mga babaeng nagtrabaho sa mga istilong hindi layunin ay hindi pinapansin, na-marginalize o na-misinterpret. Kapag nagawa nilang magtagumpay sa kanilang sariling mga termino, kadalasan ay dahil ang visual na wika na ginamit nila ay nagpapakita ng mga inaasahan tungkol sa kanilang mga katawan at kilos, maliliit, maselan na mga kilos, naka-mute na mga kulay o paulit-ulit na mga anyo na nagpapatahimik sa mata. May mga eksepsiyon, siyempre, ngunit ang mga eksepsiyon ay nagpatibay sa tradisyonal na mga inaasahan sa karaniwang paraan kung saan ipinagtatanggol ng kapangyarihan ang sarili nito: Inaakusahan mo ba kami ng pagbubukod o pag-marginalize sa iyo? Buweno, ang nag-iisang halimbawa sa kabaligtaran na ito ay nagpapahina sa iyong akusasyon.
Susunod, isaalang-alang ang lahi. Sinusubaybayan ng time frame ng eksibisyong ito ang kasaysayan ng sining mula sa mataas na marka ng kilusang karapatang sibil noong 1960s hanggang sa kilusang Black Lives Matter sa ating panahon. Marami sa mga kababaihang kasama rito ay lumaban sa paghatak ng paggawa ng sining na tahasang pampulitika o direkta tungkol sa karanasan sa itim. Ang abstract na sining ay madalas na nakikita sa mga termino ng lahi, bilang isang piling anyo na ginagawa ng mga puting artista. Ang mga itim na artista ay inaasahang magbulay-bulay sa mga itim na ideya, gamit ang isang visual na wika na nagmula sa mga ideya tungkol sa mga pinagmulang Aprikano ng karanasan sa African American o diaspora.
[ Tinitingnan ng National Gallery ang 10 Vermeer sa konteksto ng mga kasamahan ng artist ]
Si Mildred Thompson, isa sa mga pinakamagaling na artista sa eksibisyong ito, ay wala nito. Ang kumopya ng mga simbolo na hindi naiintindihan ng isang tao, ang sadyang gumamit ng isang anyo na hindi alam kung paano suriin o pahalagahan ay para sa akin ang taas ng prostitusyon, aniya. At hindi siya handa na ibigay ang abstraction sa mga piling artista: Marahil dahil nabuhay ako at nag-aral kasama ang 'whitey' na natutunan kong pahalagahan ang aking Kaitim.
Ito ay isang malakas na pahayag ng kalayaan, at isa na patuloy na hinahamon ng mga nakatanim na gawi ng mga kritiko, curator, iskolar, kolektor at madla.
Kaya ang sining na kasama ay nakakaramdam ng paninindigan, demonstrative, prangka, at walang patawad. Ngunit higit pa sa ibinahaging pakiramdam na iyon, mayroon bang mga ugnayan sa pagitan ng mga gawang ito? Mayroon bang mga pagkakaugnay ng istilo o detalye na nag-uugnay sa anumang solong gawa sa 40 iba pang nakikita? Mayroon bang takeaway na lumalampas sa indibidwal na artist?
Ito ay mapanganib na teritoryo. Kapag nagsimula ka nang maghanap para sa mga link na iyon, nanganganib mong limitahan ang mismong bagay na hinahangad na panatilihin ng mga artista: Ang indibidwalidad at sui generis na nagpapahayag ng nilalaman ng bawat gawa.
rochester red wings ticket 2021
Gayunpaman, tila may mga bakas ng pagkakatulad o pagkakamag-anak, lalo na sa kung paano ipinapahayag ng ilang mga gawa ang pakiramdam ng cleavage o pagkakahati. Marahil ay nakukuha nito kung paano gumagana ang kapangyarihan sa atin, ang paraan na lumilikha ito ng dibisyon hindi lamang sa pagitan ng mga grupong panlipunan ngunit sa ating pakiramdam ng sarili. Ang kapangyarihan ay nagsasabi sa atin kung ano ang dapat nating maging, hindi alintana kung sino talaga tayo. Ito ay naghihiwalay sa atin mula sa ating likas na dignidad at nakatatak sa sarili nitong presyo sa ating mga ideya, ating mga regalo, ating mga kontribusyon.
Shinique Smith, 'Whirlwind Dancer,' 2013-17; Ink, acrylic, papel, at tela na collage sa canvas sa ibabaw ng wood panel. (E. G. Schempf/Shinique Smith/David Castillo Gallery)
Sa isang malaki at dynamic na komposisyon ni Shinique Smith, Whirlwind Dancer, ang cleavage ay pisikal. Ang pagpipinta sa una ay tila kumakatawan sa isang solong, pinag-isang bagay, isang uri ng puyo ng tubig o ipoipo na sumipsip sa materyal at detritus ng kalahating siglo ng pagpipinta tungo sa isang umiikot, kumikislap na pagpapahayag ng purong enerhiya. Ngunit ito ay talagang dalawang canvases na pinagsama at habang pinag-aaralan mo ang tahi na iyon ay napagtanto mo na ang mga linya o hugis ay tumatawid sa dibisyon sa ilang lugar lamang. Ang metapora na ito ng isang enerhiya na buo sa kabila ng pagkakalat sa isang puwang o bitak ay ang esensya ng kapangyarihan ng trabaho.
Isang eskultura ni Barbara Chase-Riboud, na ang mga bronze at fabric na steles ay makikita sa Michael Rosenfeld Gallery sa New York ngayong taglagas, ay nahahati nang pahalang, na may telang palda na tila bigat ng isang tansong katawan. Ang estatwa ay nagpapatupad ng isang pag-uusap na nararamdaman ng maraming tao sa loob, sa pagitan ng pangunahing takot na ang lahat ay maaaring bumagsak, at isang kapana-panabik na pakiramdam na tayo, kahit papaano, ay namamahala upang panatilihin itong nasuspinde sa eter ng kawalan.
[ Ang National Portrait Gallery ay pumipili ng mga artista upang ipinta ang mga larawan ni Obama ]
Si Jennie C. Jones ay kinakatawan ng trabaho na gumagamit ng mga acoustic panel upang lumikha ng mga klasiko at minimalist na abstraction. Ngunit ang mga panel ng acoustic ay nagdadala ng mga tanda ng katahimikan, at isang dichotomy na hindi katulad ng iminungkahing ng gawain ni Chase-Riboud: Tungkol ba ito sa katahimikan, na siyang canvas kung saan nakasulat ang musika at isang mapagpalayang espirituwal na puwersa, o ang pagkilos ng pinatahimik, alin ang una at pangunahing estratehiya ng kapangyarihan?
Howardena Pindell, Walang Pamagat, 1972-73. (Howardena Pindell / Garth Greenan Gallery)
Ang mga dichotomies na ito ay kumalat sa buong eksibisyon. Sa isang partikular na kapansin-pansing gawa, isang walang pamagat na 1972-73 na pagpipinta ni Howardena Pindell, ang canvas ay natatakpan ng maliliit na tuldok na kapareho ng sukat ng maliliit na bilog na mga piraso ng papel na natitira kapag gumagamit ng paper punch press. Sa isa pang gawain ay ginagamit niya ang aktwal na mga scrap ng pabilog na papel na hinaluan sa pintura upang lumikha ng kakaibang hugis na autobiographical na gawain na tumutukoy sa oras na ginugol niya sa Japan. Ngunit sa walang pamagat na pagpipinta ng acrylic, maingat niyang ipininta ang kanilang dalawang-dimensional na bakas, sa isang canvas na may kasamang ilusyonistikong pattern ng mga tupi, na para bang ang buong bagay ay naipasok sa isang aparador o iniwan na nakahandusay sa sahig, hindi naaalagaan, hanggang sa mga di-kasakdalan. nagkaroon ng anyo. Ito ay isang kumplikadong gawain na nagsisimula sa isip sa isang hanay ng mga katanungan — sino ang gumawa ng mga tuldok na ito, sino ang sumuntok sa papel at para sa anong layunin, at ano ang nakasulat sa mga pahina ng papel na sinuntok? — na sa huli ay tumutukoy sa ideya ng teksto o dokumento na pinipigilan sa amin.
Ito ang tanong kung saan ang kapangyarihan ay dapat mahigpit na harapin: Ano ang pinipigilan sa atin? Ang eksibisyong ito ay isa, praktikal, pragmatikong sagot sa tanong. Ngunit siyempre ang tanong ay nagtataas ng isa pa: Ano ang pinipigilan natin sa ating sarili?
Magnetic Fields: Pagpapalawak ng American Abstraction, 1960s hanggang Ngayon ay makikita sa National Museum of Women in the Arts hanggang Ene. 21. Para sa karagdagang impormasyon bisitahin ang www.nmwa.org.
